29 de abril de 2014

Taquilla Uruguaya (18-20 de Abril) – “Rio 2” y “El Sorprendente Hombre Araña 2” son enormes estrenos.

Parce que tendré que acostumbrarme a ver a “Rio 2”, el nuevo éxito de Blue Sky Studios, en el primer lugar, o al menos en el Top 5. Lo digo a medida que aun conecta con los espectadores más chicos, quienes claramente avivaron su poder en nuestra taquilla, logrando un fin de semana considerablemente más exitoso que el anterior.

Si hablamos de poder, no sería justo pasar por alto la llegada de Spider-Man a nuestra cartelera con “El Sorprendente Hombre Araña 2”. La esperada secuela de Marvel/Sony Pictures aplasto el rendimiento inicial de aquel reincido de 2012, transformando un 1.6 en uno 2.9 millones de pesos. Si miramos ese fin de semana de Julio hace dos años, es gracioso como la primera entrega también tuvo que conformarse con un segundo puesto al enfrentarse a otra secuela de Blu Sky, de la cual tampoco fui un fanático, “La Era de Hielo 4”. Estamos ante una situación demasiado similar con estas secuelas, por lo que podría asegurar que “El Sorprendente Hombre Araña 2” superara la taquilla total de la original a medida que tiene el campo heroico libre hasta el 22 de Mayo, cuando “X-Men: Días del Futuro Pasado” entrara en escena.

Si miramos al resto de los escalones en este Top 10, el segundo fin de semana de la Semana Santa no encontró el público que una película como “Hijo de Dios” atraería. Si bien no vi esta última, aun puedo suponer que los espectadores estuvieron más intrigados por “Noé” como cinta religiosa. Debió ser así, al toparnos con otro triunfo para la película de Darren Aronofsky, la cual aún no se hunde en ese diluvio.

Este fin de semana pasado vio el estreno de “Divergente”, otro posible éxito en plan adaptación literaria joven, lo que por lo general funciona. Además George Clooney trajo su nueva cinta, “Operación Monumento” a la cartelera, así que habrá de que hablar en la próxima instancia, si bien aún creo que “Rio 2” volara sobre una apretada taquilla.

Pueden ver el Top 10 de la taquilla a continuación.

“Star Wars: Episodio VII” revela su elenco.

Al fin podemos decir que la nube escondiendo la nueva aventura en esa galaxia tan lejana, dirigida por J.J. Abrams (Star Trek), ha desaparecido, al empezar a rodar algunas cámaras, completar un guion y presentar a un prometedor reparto para protagonizar.

Dejando de lado los esperados regresos de Mark Hamill como Luke Skywalker, Carrie Fisher como Leia, Harrison Ford como Han Solo, Peter Mayhew como Chewbacca, Anthony Daniels como C3PO y Kenny Baker como R2D2, Disney ha reclutado caras muy prometedoras entre las fácilmente reconocibles y las nuevas. Una cosa si es segura, “Episodio VII” tendrá talento.

Las adiciones de la franquicia serán John Boyega (Ataque Extraterrestre), Daisy Ridley, Adam Driver (Inside Llewyn Davis), Oscar Isaac (Inside Llewyn Davis), Domhnall Gleeson (Cuestion de Tiempo), Andy Serkis (El Planeta de los Simios: Confrontación) y Max von Sydow (Tan Fuerte, Tan Cerca). No existe ninguna confirmación de sus roles, pero podría asegurar que los más jóvenes protagonizaran este nuevo episodio, el cual iniciara una nueva trilogía.

De verdad empiezo a interesarme por este proyecto. J.J. Abrams tiene un equipo genial a su disposición, con quienes ya ha empezado a trabajar como pueden ver arriba, y como consecuencia, la enorme apuesta de Disney empieza a tomar forma. “Star Wars: Episodio VII” llegara a los cines de todo el mundo el 18 de Diciembre de 2015, lo cual probablemente sea 17 de Diciembre para nosotros.

CRÍTICA | EL SORPRENDENTE HOMBRE ARAÑA 2: LA AMENAZA DE ELECTRO (2014)

Andrew Garfield y Dane DeHaan en El Sorprendente Hombre Araña 2
Amo ver avances o lecciones aprendidas, y nada me produce más alegría que el completo desecho de su predecesora en “El Sorprendente Hombre Araña 2”. Ésta no solo admite ser una experiencia superior, sino que actúa como si ese reinicio no existiera, y cuando debe mencionarlo, se refiere a él con sutileza o en burla. Así es como una secuela demasiado concurrida por villanos, coincidencias y argumentos, aún debe cumplir con el trabajo sucio de reinventar la franquicia del superhéroe arácnido. Con tanto peso en sus hombros, hasta aquel innecesario, el resultado es digno de sus expectativas, y por más que su escala sea algo masiva, me conformo con que cumpla sus antiguas promesas.

Retomando el concepto de reinicio, esta secuela vuelve a encontrar a Peter Parker (Andrew Garfield) balanceando su vida entre los misterios de sus padres, la relación con su novia, Gwen Stacy (Emma Stone), y las obvias responsabilidades que conlleva ser Spider-Man. Llevando una doble vida donde quizá sea más fácil ser un héroe enmascarado que un joven con responsabilidades, el día a día de Peter carga una multitud de conflictos. Demasiados para mantener todas sus promesas y obligaciones vivas, y a medida que nuestro protagonista pone su vida en orden, la cinta se topa con el mismo problema.

“El Sorprendente Hombre Araña 2” esta avergonzada de la primera parte, creo que eso está bastante claro. Incluso en los detalles, ya que el disfraz del protagonista es demasiado similar al de la trilogía original de Sam Raimi. Y eso de hacer el traje más oscuro, acorde con el tono de la historia, podemos olvidarlo también. Confundiendo el usar colores opacos con dárselos al tono, esta oportunidad no busca escusas y nos ataca con el humor característico de Spider-Man, sin mirar hacia el otro lado cuando debe enfrentar decisiones más serias y efectivas. Marc Webb, quien repite como director, vuelve a interesarse por el factor humano. Mientras cumple las labores de guiar una superproducción cotidiana, el director de “500 Days of Summer” trabaja en las relaciones de Gwen, Peter y el ahora adherido, Harry Osborn (Dane DeHaan), quien vuelve a la vida del protagonista en este secuela. Esto refuerza los vínculos y mejora el panorama clásico del cine de comic, balanceando ambas partes de forma satisfactoria, esta vez sí.

La relación entre Garfield y Stone no podría tener más química, incluso visitando territorios propios de la primera versión de este superhéroe. Donde Maguire y Dunst funcionaron en aquella trilogía, la nueva pareja trae un carisma algo más genuino. Dentro de un cargado film de 140 minutos, el verlos exponer sus problemas entre escenas del enmascarado balanceándose entre edificios es muy reconfortante, y siendo francos, bastante más interesante que el resto de los sucesos.

Emma Stone en El Sorprendente Hombre Araña 2

A medias esta trabajado el desarrollo de sus villanos, los cuales son esenciales en este nuevo universo Marvel. Por un lado, Dane DeHaan recibe un personaje con verdadero potencial y un villano tanto apurado como inútil. Sin embargo, el verdadero antagonista, quien ha recibido incontables cantidades de atención promocional es encarnado por un desperdiciado Jamie Foxx. Electro es apoyado por algunos entretenidos superpoderes, pero en lo que concierne a quien es y porque hace lo que hace, el guion de Alex Kurtzman y Roberto Orci hace un trabajo casi vergonzoso en lo que concierne a las motivaciones de un enemigo. No sé si serán las posibilidades más creíbles de ver a un adolecente perdiendo los papeles o quebrándose frente un rechazo, pero no hay forma en que pueda afrontar el estado mental en que se encuentra el personaje de Foxx. Claramente un adulto, la motivación de Electro es incomparable con la mala suerte de Harry Osborn, de quien puede apreciar sus movimientos, por más que me llevaran a una lamentablemente y apurada transformación.

Si bien no resulta estar tan infestada de argumentos, personajes, villanos y otro millar de guiños, la película aun baraja demasiadas promesas. Si, está escrito en las decisiones de otra franquicia, pero el film tiene que ser señalado como una “Iron Man 2”. Aquella secuela de 2010 se hizo responsable de organizar la unión de “Los Vengadores”, y aun siendo menos grave, este proyecto recibe los mismos conflictos. No son autores de todo lo que está mal con éste episodio pero definitivamente podríamos culparlos de cargarle peso a conceptos más que suficientes por sí mismos. En lo personal, prefiero desarrollar aún más las vidas de Peter, Gwen y Harry, y hacer de lo que sigue algo mucho más sustancial. De cierta forma, quizá solo me refiero a una narrativa muy superior a la aquí presente, una que un estudio de hoy no afrontaría cotidianamente. Quedémonos con el “Mas es mejor”, porque eso nunca falla…

Casi lo pasó por alto, pero también debo recordar que ésta es una adaptación de comic con elevado presupuesto, por lo que las secuencias de acción deben abundar y distraer. Uno de mis principales conflictos con la primera era la vaga dirección de estas esenciales escenas, en las que nunca sentíamos el heroísmo de Spider-Man. En este caso, puedo admitir que la secuela introduce al Sorprendente Hombre Araña en toda su gloria a medida que surca la ciudad, se burla de los villanos y se convierte en el superhéroe que amamos. Su sola secuencia inicial nos regala menos monotonía y más heroísmo que aquel reinicio completo, y aguantar un abominable cameo de Paul Giamatti es hasta perdonable con un verdadero retrato del arácnido desde su sola aparición.

No tenemos esa célebre picadura de araña, pero si contara los argumentos olvidados que son cubiertos acá, creo que “The Amazing Spider-Man 2” calificaría como un reinicio decente a una franquicia injustamente reciclada. Por más que la misma este concurrida, Marc Webb soluciona sus errores iniciales y refuerza el marco narrativo de sus personajes con un elenco fresco y carismático en esos tres roles principales. Su regreso no es precisamente especial, pero sus intenciones son menos absurdas, y al toparnos con un futuro planeado, uno podría acostumbrarse a este Hombre Araña, viéndolo balancearse de un edifico a otro con su reputación intacta.

25 de abril de 2014

“Boyhood” ve a su protagonista crecer durante 12 años en este emotivo avance.

Richard Linklater (Antes de la Medianoche) es sinceramente un maestro y un pionero en el cine, un director y guionista quien aprecia un desarrollo de personaje genuino. Después de darle un cierre (o al menos eso pareció) a su trilogía romántica junto a Ethan Hawke y Julie Delpy, el cineasta por fin ha culminado otro ambicioso proyecto en el que veremos el periodo de maduración de un niño desde los 6 años hasta los 18.

En su primer avance realmente veo el potencial que he deseado desde que “Boyhood” fue anunciada. Es increíble como con unos 90 segundos de una historia de casi 3 horas ya somos capaces de ver la verdad en sus personajes y situaciones. Realmente no hay más que agregar, el film se ve fantástico.

Pueden ver el trailer subtitulado a continuación.

24 de abril de 2014

Guy Pearce y Robert Pattinson se enfrentan en una distopía con el trailer de “The Rover”

Hace un par de días repase la alineación del Festival de Cannes. Entre sus presentaciones fuera de competición, uno de los títulos más esperado es el nuevo trabajo de David Michod (Animal Kingdom), “The Rover”, el cual promete una potente sociedad en trizas en la que un solo hurto desata un duro enfrentamiento.

Recordándonos a un western, el film de Michod presenta una fotografía intensa y una simple propuesta en la que Pearce arrastra a Pattinson, quien es abandonado por un grupo de ladrones. Ese grupo le quita Pearce su auto, dejándolo sin ninguna alternativa más que la de seguir a los rufianes hasta hacerles pagar por su crimen. Claramente, es una sociedad en la que las reglas han desaparecido y lo único reconocible seria propio del Lejano Oeste.

Debutando en Cannes en Mayo, y estrenándose en Junio en Estados Unidos, “The Rover” podría hacerse presente en nuestra cartelera durante la segunda parte del año.

CRÍTICA | OPERACIÓN MONUMENTO (2014)

Bill Murray, George Clooney y Bob Balaban en Operación Monumento
Debió ser una señal cuando “Monuments Men”, dirigida, escrita y protagonizada por George Clooney, fue atrasada para estrenarse a comienzos del 2014. Reservando un lugar entre las mayores decepciones del año, el potencial que reúne el líder de este proyecto es un desperdicio mayor, al saber que la mitad de sus conflictos podrían solucionarse. El resto, bueno, probablemente aun dejaría que desear.

Señalando como mayor potencial su concepto, “Operación Monumento” es una cinta bélica poco convencional, interesada en los efectos culturales de una guerra y no en sus batallas. Adhiriendo a la tiranía de Adolf Hitler, resulta que el dictador planeaba crear un museo que expusiera las obras de arte más gloriosas de la historia. Por supuesto, esas obras debieron ser robadas de sus respectivos hogares, y antes de sufrir los daños colaterales de la guerra, también debieron ser recuperadas. Ahí entra Frank Stokes (Clooney), un miembro del ejército estadounidense experto en arte. Stokes reúne un grupo formado por artistas, restauradores y arquitectos, para recuperar esas obras.

Los Hombres del Monumento, como se hacen llamar, resultan ser Matt Damon, Bill Murray, John Goodman Jean Dujardin, Bob Balaban y Hugh Bonneville. ¿Cómo podríamos equivocarnos con un reparto tan genial? Bueno, es sencillo, no lo hacemos. El carisma y química de todos ellos es absoluto para lo que Clooney intenta crear, y entre sonrisa y sonrisa, uno se cuestiona, ¿Qué es lo que intenta?

Los jugadores están ahí, pero “Operación Monumento” los utiliza para un hibrido entre el drama, la comedia y lo bélico, y como cualquiera imaginaria, el resultado simplemente no funciona. Sé que Clooney disfruta el género de las comedias excéntricas o curiosas; lo ha demostrado protagonizando un par junto a los Hermanos Coen (“El Amor Cuesta Caro” y “Quemar Despues de Leer”) y dirigiendo la suya, “Leatherheads”. En cualquier caso, esta última cargaba con las herramientas para levantar ese raro género, lamentablemente, incluso con un par de lecciones de los maestros, el director no pudo con aquella tarea. Así es que a medida que lo intenta con una cinta de la Segunda Guerra Mundial, el objetivo se ve algo más comprometido entre muertes dramáticas, melancolía y memorias de contienda.

Claramente no puedo hacer referencia a que algunos conceptos no pueden formar parte de una sola categoría, pero a la vista está que el cansado guion de Clooney y su fiel co-guionista, Grant Heslov está inundado de sensibilidades incompletas. Salteándonos de trama en trama con distintos grupos de protagonistas, uno sabe que vera sutil comedia entre Murray y Balaban, una tensión romántica y dramática entre Damon y Cate Blanchett (Quien debe creer estar en otra película) y ciertas sonrisas y melancolías mientras Clooney salva el día con su narración. A su vez, con todas esas diferencias, uno logra ver el verdadero problema que tendría agobiado a aquellos que pospusieron la cinta, y es que su argumento no es ni medianamente tan fascinante como suena.

Lo deje claro arriba, sus motivos son nobles y claramente originales en la creación de un film acerca de la época en cuestión, pero no solo acabamos con el deseo de editar sus densos 110 minutos, sino que seriamos capaces de reducirlos a unos 80. Con su debido respeto, la película utiliza su tiempo en vano intercambiando el avance de su historia por pequeñas escenas de sonrisas cálidas. No es como si decidiera reemplazar la narrativa, es solo que la misma no tiene a donde ir por momentos, fabricando un objetivo de muy poco sabor para culminar esta misión. En lo que a mi concierne, ha quedado demostrado que las licencias poéticas suelen ayudar en estos casos, pero incluso contando esa sutil comedia, el film nunca parece aprovechar ese permiso para enriquecer los hechos.

La meta de preservar la historia y no dejar que los ideales de alguien más la destruyan es extremadamente respetable, y con todos sus tropiezos, puedo admitir que el director consigue cerrar dicho fin. Lejos de una lagrima, el final si resulta entrañable, por más que no se lo gane. Una vez más, el solo concepto acaba defendiendo este intento fallido, el cual, gracias a esa seguridad y potencial, consigue un posible disfrute desde el sillón de nuestra casa. En donde un inevitable cerrar de ojos puede ser respondido con un simple rebobinado.

Después del impresionante acierto que resulto su thriller político, “Secretos de Estado”, “Operación Monumento” no es más que una decepción para el talentoso curriculum de George Clooney. Un proyecto que promete por cualquiera de sus ángulos, pero no hace nada con ninguno de ellos. Es cierto, existen unas cuantas secuencias memorables aquí y allá, pero no es sencillo disfrutarlas cuando uno siente la necesidad de recortar todo lo que las rodea. Si formara parte del séptimo arte robado, creo que no valdría la pena hacer demasiados esfuerzos por recuperarla.

23 de abril de 2014

ESTRENOS DE HOY (24/04/14)

OPERACIÓN MONUMENTO (2014)
Dirección: George Clooney
Calificación: Apara a Mayores de 9 años.
Duración: 1hr 58m
Género: Drama
Elenco: Geroge Clooney, Matt Damon, Cate Blanchett, John Goodman, Jean Dujardin y Bill Murray.

Cines: Movie Montevideo – Movie Portones – Movie Nuevocentro – Grupocine Torre de los Profesionales – Life Alfabeta – Life Punta Carretas – Life Punta Shopping
DIVERGENTE (2014)

Dirección: Neil Burger
Calificación: Apta a Mayores de 12 Años.
Duración: 2hr 20m
Género: Ciencia Ficción
Elenco: Shailene Woodley, Theo James, Miles Teller, Ray Stevenson y Kate Winslet.

Cines: Movie Montevideo Shopping – Movie Portones – Movie Punta Carretas – Movie Nuevocentro – Grupocine Ejido – Life Costa Urbana – Life Punta Shopping
AIRES DE ESPERANZA (2013)

Dirección: Jason Reitman
Calificación: Apta a Mayores de 12 Años.
Duración: 1hr 51m
Género: Drama/Romance
Elenco: Kate Winslet, Josh Brolin, Gattlin Griffith, Clark Gregg y Tobey Maguire.

Cines: Movie Montevideo Shopping – Grupocine Punta Carretas – Grupocine Torre de los Profesionales – Grupocine Rivera – Life Punta Shopping
OSOS (2014)
Dirección: Abdellatif Kechiche
Calificación: Apta para Todo Público.
Duración: 1h 19m
Género: Documental

Cines: Movie Montevideo Shopping – Grupocine Punta Carretas – Grupocine Torre de los Profesionales – Life Costa Urbana – Life Punta Shopping – Grupocine Rivera

CRÍTICA | EL SOBREVIVIENTE (2013)

Mark Wahlberg, Emile Hirsch y Taylor Kitsch en El Sobreviviente

¿Cuántas veces hemos visto al patriotismo norteamericano orquestando una historia militar? Cientos. La suma es tan excesiva que un pequeño decorado o mejores repartos no van a solucionar un cine apuntado a otra específica cantidad de espectadores. Más aun cuando el producto parece ser el mismo, una y otra vez.

Tengo otra propuesta, entonces. Intentemos transformar ese patriotismo en el sentimiento real que debería representar. Uno de dolor, camaradería y sacrificio. Recordar que no todas las batallas aguardan con victorias. Sea quien sea el enemigo, una guerra significa dolor para ambas partes, y entre tensos momentos, "El Sobreviviente" es un relato militar junto a un bando norteamericano, pero por una vez, podemos entender ese patriotismo. Patriotismo que no se vende, sino que se demuestra.

Basada en una historia real, algo maquillada como suele suceder, "Lone Survivor" es un legado de coraje y decisiones imposibles. Luego de recrear la vista con el carácter de los miembros y aspirantes de los Navy SEAL’s, el film introduce una misión enfocada en eliminar a un peligroso terrorista, Ahmad Shah. Escondido en un parámetro difícil de atacar, la operación es sumamente compleja a base de ubicaciones. Un equipo de cuarto es enviado a buscar al objetivo, y tras cruzar las líneas enemigas, el mismo se enfrentara al aislamiento. Estableciendo un perímetro y enfrentando problemas de comunicación, su presencia no pasa desapercibida. Estos cuatro camaradas se enfrentan a su humanidad frente al imprevisto, y entre pocas opciones, ninguna correcta o segura, la misión los deja sin alternativas. Solo la valentía los acompañara, mientras ella los ayuda a no perder la esperanza...

Con credenciales curiosas pero experimentadas en el rango militar, dirigió "Batalla Naval" y “El Reino” después de todo, Peter Berg recupera confianzas con la dirección que ofrece este feroz y tenso film de acción. Si bien es coloreado con el rojo, azul y blanco, las rayas y las estrellas, y todos los encantos de un anuncio de “Sirve a tu país”, "El Sobreviviente" sigue siendo un film altamente chocante. Diversificando entre el drama y la acción, la película se ve y se siente como la cinta militar más accesible y efectiva en un tiempo; donde la fuerza del relato solo es comparable con la dirección de un aislado y potente combate encima de una montaña.

Es fácil admirar esos 45 minutos iniciales y tener clara la ruta que acabara tomando, y cumpliendo con el desarrollo, la cinta se enciende por una media hora devastadora. Esa colina que esconde a estos hombres, se vuelve un infierno de balas, explosiones y una serie de caídas dolorosas. Igualando la escala de las apuestas, Berg dirige este enfrentamiento con convicción, donde cada golpe es extremadamente doloroso, sin importar que bando lo reciba. Si, nuestros héroes se llevan inmensas heridas y salen ilesos de múltiples secuencias, pero siempre somos capaces de seguir el daño de cada uno. Por más que no los veamos acabados, esos golpes contra el suelo duelen incluso a base de ruidos, y el solo sufrimiento es más que efectivo al apreciar la terrible situación con la que nos acabaremos topando.

Por más que conserven espíritus y ansias inquebrantables, los cinco protagonistas también recaen en estereotipos. Dándonos un par de aspectos para poder distinguir sus personalidades (caemos en un cliché ahí), hay algo en el desarrollo de cada uno como para preocuparnos por su destino. Una vez que sus vidas entran en peligro, las conversaciones sobre sus gustos y familias acuden a su forma de conversar. Por más que no creamos en sus personalidades uno por uno, la unión de este grupo es efectiva por ello, percatándonos del dolor de cada individuo cuando sus aliados reciben un disparo.

Parte del afecto por estos personajes es acreditado al talento del reparto. Mark Wahlberg y Ben Foster suelen cumplir con su peso, pero la fuerza de Taylor Kitsch y Emile Hirsch es casi más memorable, dejándoles un lugar para demostrar algo de talento donde algunas superproducciones fallidas no les dieron espacio. Los cuatro dejan todo en pantalla, y si bien son obligados a recitar frases patrióticamente tontas, al final de sus interpretaciones, somos capaces de ver al humano y no al soldado.

Sea un drama bélico o un tenso thriller de acción, el film funciona de forma inesperada tratándose de una desgracia que decide inyectar gigantescas dosis de acción a mitad de camino. Sin importar la forma en que nos acerquemos a “El Sobreviviente”, ésta tendrá ciertos conflictos, pero lucirá con orgullo la valentía de sus protagonistas. Valentía que pocos personajes ficticios serían capaces de transmitir entre momentos de tanta tensión.

21 de abril de 2014

Clint Eastwood adapta un éxito de Broadway con el trailer de “Jersey Boys”.

Clint Eastwood no ha parado de dirigir films tras dejar la actuación, y si bien tuvo enromes altos, su dirección se me hizo olvidable cuando lanzo “Hereafter” en 2010, protagonizada por Matt Damon. Tantos disgustos me dio esta cinta que cuando “J. Edgar” llego en 2011 realmente no hice un esfuerzo por verla, y hasta hoy no he visto ese protagónico de DiCaprio.

Lanzando un film por año durante un pequeño periodo, Eastwood se tomó su tiempo para elegir su siguiente proyecto esta vez, presentado “Jersey Boys”, la adaptación del celebrado musical de Broadway. Sin saber demasiado sobre la obra en la que se basa, a la vista está que se trata de una cinta musical de los 60, lo cual, luego de “That Thing You Do” de Tom Hanks, es más que suficiente para mí. Dicho eso, este avance no me dice demasiado a base de escaso ritmo para una historia que pretende ser un musical.

El espectáculo ha sido aclamado incontables veces por lo que Eastwood podría tener algo acá, por más que aún no lo sienta. Pueden ver el avance a continuación.

Una mirada a la alineación del 67º Festival de Cannes.

Ambos con su propio estilo, los festivales de Cannes y Toronto acaban siendo los más prometedores durante el año. Siempre con una lista de cintas interesantes, Cannes es un espacio de indudable prestigio entre el centro de promoción para diversas propuestas y el lugar de debut para autores y proyectos anticipados.

Dicho eso, si bien no nos topamos con la notoriedad de otros años, Cannes 2014 baraja films intrigantes de los que conocemos poco pero asumimos mucho. Presentando primeras proyecciones en su mayoría, el festival siempre ha tenido un velo por encima, pero este año el asunto se tuerce un poco más al no tener ni idea de cuál podría ser el próximo acierto en salir del evento.

Nombrando los perfiles más altos primero, la cinta que abrirá el festival será “Grace de Monaco”, un proyecto problemático en postproducción dirigido por Oliver Dahan. El director de “La Vie en Rose” mantuvo enromes diferencias con el célebre productor Harvey Weinstein sobre el corte de la película, lo cual mantuvo a este biopic de Grace Kelly protagonizado por Nicole Kidman fuera de las pantallas en el 2013. Aun con anticipación, la misma tendrá aún más atención de la que hubiera esperado a fines del año pasado, uniéndose al grupo de cintas que han abierto el mítico festival, una lista bastante curiosa, cargando más notoriedad que prestigio. Funcionando o no, aun creo que es una elección algo extraña.

Sobre atrasos, la película más esperada tiene que ser “Foxcatcher”, de Bennet Miller (El Juego de la Fotruna, Capote). Sin saber los hechos exactos de sus percances, la cinta acerca del luchador olímpico Mark Schultz y su entrenador John du Pont levanto unas cuantas miradas cuando presento un excelente trailer anticipándola para Diciembre 2013. Luego desaprecio. Así es que, sin una fecha exacta para este año aun, su presentación entre la competencia es la mejor de las señales para tenerla entre nosotros en esta temporada de premios. Temporada que suele comenzar a anticiparse tras Cannes.

Mr. Turner, Maps to the Stars, Lost River, The Rover y Foxcatcher

Si bien no encontramos nombres del calibre de Joel y Ethan Coen, quienes presentaron “Inside Llewyn Davis” durante la ceremonia pasada, es imposible hacer la vista gorda hacia los cineastas que introducen proyectos ahora. Sabiendo poco y nada de los mismos, Michel Hazanavicius (El Artista) presentara “The Search”, David Cronenberg (La Mosca, Cosmopolis) “Maps to the Stars”, Tommy Lee Jones “The Homesman”, David Michod “The Rover” y Mike Leigh (Otro Año) “Mr. Turner”.

Fuera de la competencia nos topamos con Ryan Gosling, alguien reconocido en los ambientes de la ciudad francesa, debutando como director con “Lost River”, antes conocida como “How to Catch a Monster”. Con un par de intrigantes imágenes y un concepto definitivamente fantasioso, es una de las obras más esperadas. A ésta pieza se le suma la aparición de “Eleanor Rigby”, la primera película de Ned Benson, quien propone una ingeniosa mirada a una pareja en la que retrata ambas miradas, la de Él (James McAvoy) y la de Ella (Jessica Chastain). Extrañamente, la cinta debuto en el Festival de Toronto 2013 con una duración de 190 minutos, sin embargo, la edición de Cannes será de solo 120. Suena como una película completamente distinta. La cuestión quedara en saber cuál será la que termine en las salas convencionales.

Los últimos tres años tuvieron a “El Árbol de la Vida”, “Amour” y “La Vida de Adele” (Ahora en cartelera) como ganadores de la prestigiosa Palm d’Or (Palma de Oro). Es imposible predecir este premio, y es lo que hace a Cannes tan especial. Obviamente, la venta y presentación de cintas taquilleras como “Como Entrenar a tu Dragón 2” (La animación elegida para este año), aún existe en este ambiente, pero me fascina estar en blanco ante tantas propuestas. Sí, tenemos autores reconocidos, pero eso solo crea anticipación. Dicho eso, aun nos queda mucho tiempo para poder decidir si estos proyectos merecieron un lugar en lo que suele ser una respetada alineación de films. Bueno, siempre y cuando no resultes ser uno de los pocos afortunados que cubre este evento.

Realizare un resumen de lo más comentado del festival una vez que culmine el próximo 25 de Mayo. Por ahora, pueden ver la lista completa de los seleccionados acá, en la que verán a los 18 nominados a la Palma de Oro y a los films agrupados en el resto de las selecciones.

18 de abril de 2014

Taquilla Uruguaya (11-13 de Abril) – “Rio 2” vuela sobre la competencia.

En la mayoría de los casos, el cine animado siempre es sinónimo de buen negocio en nuestro país, y en lo que concierne a las secuelas, esas ya son éxitos seguros. “Rio 2” irrumpió en la cartelera el pasado jueves y automáticamente se convirtió en la película con los mejores tres días en el año. Olvidémonos de Marvel y del cine bíblico, las familias y los niños aun mandan.

Dicho eso, lo que sigue a “Rio” es territorio conocido de camino hacia abajo, al ver que el resto de la taquilla se presenta en forma similar a la de la semana pasada. Entre esas figuras repetidas, los altos le pertenecen a “Noé” y “El Gran Hotel Budapest”. La primera logro repetir el millón de pesos en su segundo fin de semana y parece que podría mantener el mismo. Habiendo revisitado el film de Aronofsky durante la semana, me topé con una sala muy concurrida, en la que acabe admirando la cinta a pocos metros de la pantalla. Conociendo la respuesta general, está claro que la intriga y el tema son factores clave para atraer nuevos espectadores, ya que la cinta aun funciona perfectamente.

Sobre “El Gran Hotel Budapest”, la cinta de Wes Anderson aún me sorprende recaudando nada más y nada menos que el mismo número en su segundo fin de semana. Si hablemos de constancia, el rendimiento de la cinta es asombroso teniendo en cuenta el cine específico que suele traer Anderson. Entre un elenco que claramente atrae y un seguro boca a boca, el film funciona entre superproducciones, y solo con eso puedo revivir mi confianza en los espectadores uruguayos.

El miércoles llego el enorme estreno de “El Sorprendente Hombre Araña 2” que claramente hará estragos en la taquilla, al poder confirmar unas cuantas salas llenas durante sus primeros dos días. Siendo el único estreno además de la cinta bíblica, “Hijo de Dios”, parece que los superhéroes podrían volver a mandar en la segunda parte de la semana de turismo, aunque si debemos enfrentar dos secuelas, no será fácil elegir una ganadora.

Pueden ver el Top 10 de la taquilla a continuación.

17 de abril de 2014

CRÍTICA | OLDBOY: DÍAS DE VENGANZA (2013)

Josh Brolin en Oldboy
“Oldboy” de Chan Wook Park, es indudablemente un clásico. De culto o no, ha ganado un estatus descomunal dentro del cine coreano, y realmente consigue llevar al límite la pregunta, ¿Para qué hacer un remake? Es una cuestión bastante corriente estos días, y seguro la respuesta ha sido repetida incontables veces, al considerar que el público Norteamericano (Donde se crean estas cintas mayormente) no está acostumbrado a leer subtítulos. Eso, o saber que una cinta con caras reconocibles y publicidad atragantando sus cuellos resulta más eficaz y exitosa.

Personas como David Fincher (La Chica del Dragón Tatuado) o Spike Lee (El Plan Perfecto), en este caso, desafían la formula, siendo personalidades capaces de dar un giro. Mantener los sabores del material inicial y construir desde ese punto, es lo que se espera de cineastas talentosos como son ambos. Aunque en el caso de Lee, si bien mezcla intenciones y se topa con la fuerza de su propio estudio, los sabores son algo distintos. El contenido, sin embargo, también llega a serlo. Nunca tan devastador, memorable o justificable, en comparación con una pieza ligada a una retorcida ecuación.

Si bien este remake tiene una cuota de desarrollo en forma de prólogo, el concepto es el mismo. Joe Doucette (Josh Brolin), un hombre indudablemente despreciable, es secuestrado y encerrado en una prisión por 20 años. Con la apariencia de una habitación de hotel, Joe es expuesto a miles de particularidades desde la televisión en la celda. En ella, entre otras desgarradoras noticias, él descubre que su esposa fue asesinada, y que él es el único sospechoso. Viendo como su hija es adoptada por otra familia, Joe toma a la pequeña como lo único que lo mantendrá con vida, dándole las fuerzas para escapar. Si bien, antes de que pueda encontrar una salida, él es liberado.

Manteniendo las incógnitas indicadas al frente, la cinta aun le plantea a Joe el porqué de su encierro y el signo de interrogación sobre el cuello de quien lo encerró. A su vez, el film continúa con una última pregunta, esencial en el film de Park, ¿Para qué liberarlo? Esta cuestión es deletreada en la cara del protagonista, pero no solo es él el quien sufre por falta de información, a medida que el espectador se enfrenta al mismo trato.

El film de Lee no duda en centrarse en Joe e intentar que esa nube llena de dudas también entre en nuestra mente. La decisión es extremadamente satisfactoria, pero con ello, las respuestas también deben serlo. Para “Oldboy”, además de su factor violento, las resoluciones siempre han sido morbosas y devastadoras, pero dentro de su extraño universo, funcionaban demasiado bien. Conociendo el célebre giro de la historia, es esperable que el mismo no golpee de la misma forma en una segunda instancia, pero ciertos cambios aun lo hacen menos sólido.

Sin alterar los básicos, el guion de Mark Protosevich no tiene la fuerza de su fuente a la hora de decir la verdad, pero si trabaja con una conclusión efectiva y de diferencias abismales. Ambos finales le pertenecen a dos tipos de cine distintos, y ahí entra el primer encanto, proporcionado por Lee por supuesto. Por más que el director haya declarado que su versión fue masacrada (y se nota) antes de llegar a los cines, sus intenciones e intereses si están ahí.

Spike Lee no solo se enfrenta a nuestro presente, en comparación con aquel del 2003, sino que crea otro tipo de película. No cabe duda que ambas versiones de “Oldboy” pertenecen al reino de la exageración, pero el cine de Park se hizo tan particular que cualquier otro trato tendería a ser incomparable. Entonces, si bien no me da una razón para orquestar esta reinvención, debo admitir que el director al menos le da personalidad al asunto. Se ve en los detalles, pero ya sean sus colores o el tono con el que afronta ciertas escenas claves, hay separadores como para acusarla de ser su propia máquina. ¿Inferior? Seguro. Pero bueno, siempre nos permitirá experimentar con el aprecio de la misma, si fuera la primero en ser vista.

Resaltando aquella batalla de tonos, la mayor diferencia reside en el reparto. Dejando de lado a Elizabeth Olsen y al pobre Brolin, quien claramente se preparó ferozmente para el papel, no hay minuto en el que Samuel L. Jackson y Sharlto Copley no estén pasándolo bien. Uno puede admirar los atuendos de los villanos y percatarse de la masiva exageración que ambos definen en todo dialogo posible. Donde contamos en que Jackson haga lo que sabe hacer mejor, Copley es quien no deja de sorprenderme. El actor sudafricano acapara la pantalla en todas sus escenas, y exceptuando el mejor momento de Brolin, me fue imposible mirar hacia otro lado cuando aquella curiosa y siniestra silueta se paseaba por el escenario.

El mayor recuerdo de “Oldboy” es y seguirá siendo la secuencia denominada como “La pelea del pasillo”. Intentando extenderla y mantener el factor violento (Esta versión aun carga con su cuota de sangre), Lee admitió que su propuesta para dicha batalla fue parte del recorte general. La misma, si bien carga con promesas, es la clara pista de que algo no funcionó bien una vez que las cámaras dejaron de grabar. Los fantasmas de la edición son tan claros que pensar en todo lo que pudiera haber sido, y alguna vez fue, es desconcertante. Topándonos con la duda, ¿Qué es más decepcionante, un producto sin rumbo o uno saboteado?

Sentir que debo mencionar el trabajo de alguien más en múltiples ocasiones, es frustrante a la hora de evaluar un proyecto como éste. Éstos van, vienen, y difícilmente son recordados, pero aun así, “Oldboy: Días de Venganza” es un esfuerzo que, para mejor o para peor, ofrece ideas frescas. Trabajando desde los cimientos de su historia, y no desde los cuadros, la cinta nunca justifica su existencia, pero al menos se divierte con las piezas de un rompecabezas depravado, en el que aun con errores, el efecto consigue revelarse.

ESTRENOS DE HOY (17/04/14)

EL SORPRENDENTE HOMBRE ARAÑA 2: LA AMENAZA DE ELECTRO (2014)
Dirección: Marc Webb
Calificación: Apara para Todo Público.
Duración: 2hr 22m
Género: Acción
Elenco: Andrew Garfield, Emma Stone, Jamie Foxx, Dane DeHaan y Sally Field.

Cines: Movie Montevideo (3D) – Movie Portones (3D) – Movie Punta Carretas (3D) – Movie Nuevocentro (3D) – Grupocine Punta Carretas (3D) – Grupocine Ejido (3D) – Life Costa Urbana (3D) – Life Punta Shopping – Grand Prix

HIJO DE DIOS (2014)
Dirección: Christopher Spencer
Calificación: Apta a Mayores de 9 Años.
Duración: 2hr 18m
Género: Drama
Elenco: Diogo Morgado, Amber Rose Revah, Sebastian Knapp y Roma Downey.

Cines: Movie Montevideo Shopping – Grupocine Torre de los Profesionales – Life Alfabeta – Life Punta Carretas – Life Punta Shopping

14 de abril de 2014

Fincher introduce otro misterio con el trailer de “Gone Girl”.

Evocando la misma paleta de colores, el género y hasta el mismo equipo técnico, David Fincher vuelve a los territorios que visito junto a “La Chica del Dragón Tatuado”. Enamorado del tipo de cine, y al no poder culminar aquella trilogía (Al menos por ahora), el director de “Seven” y “El Club de la Pelea” propone la adaptación de la novela de Gillian Flynn, “Gone Girl”, con un excelente avance de 90 segundos.

Protagonizado por Ben Affleck y Rosamund Pike, el primer trailer trae la esencia del ultimo relato de crimen que entrego el director. El mismo, acompañado por una nueva versión de la canción “She”, es un festín de imagines oscuras y hermosas con la justa cantidad de diálogos memorables. Claramente, es el mismo tipo de lenguaje que Fincher ha enseñado en sus dos últimos esfuerzos, incluso trayendo consigo otra banda sonora por Trent Reznor y Atticus Ross, y no tengo ningún problema con eso. Es más, no hay nada que podría alegrarme más.

“Gone Girl” llegara a los cines a partir del próximo Octubre. Pueden ver el trailer a continuación.

CRÍTICA | RIO 2 (2014)

Tres es el número que debería llevar "Rio 2" en su título, otorgándole algo de ingenio a su planeada ecuación. Tras el film de 2011, Blue Sly Studios y Carlos Sandanha tomaron tres años para diseñar la secuela perfecta, incluyendo personajes viejos y nuevos, y todo tipo de argumentos en nuevos escenarios. Con los números más que calibrados, el éxito de esta nueva animación fue asegurado, y con ello, este se vuelve el ejercicio animado más vago, aburrido y sin rumbo que soy capaz de recordar. Asegurada la mediocridad, Sandanha va más lejos y refleja indiferencia. Una vez más, si el responsable no tiene interés, ¿Por qué debería tenerlo yo?

Cuatro o cinco secuencias intrascendentes luego de su introducción, donde los gags son el único distractor, nos reunimos con Blu y Perla, el par de guacamayos azules, quienes han formado una familia durante nuestra ausencia en la ciudad de Rio de Janeiro. Viviendo como mascotas y disfrutando de la vida humana, Perla siente la necesidad de reconectarse con sus instintos al saber que ella y su familia no son los últimos guacamayos azules. Acostumbrado a ser mascota, Blu no es partidario de seguir dichos instintos, pero aun así, toda su familia parte en busca del Amazonas, donde podrían reconectar con la naturaleza y su especie.

Con el diminuto concepto explicado más arriba, "Rio 2" no hace más que comenzar, introduciendo media docena de argumentos adicionales, asegurándose de que todos sus personajes forzados tengan un propósito y de que no haya suficiente tiempo para centrarse en cada uno. Esta secuela sufre con el más básico de los conflictos en cuanto a continuaciones. Errores que creí haber visto desaparecer, o al menos pulir, con los intentos fallidos por recuperar la magia. “Rio 2” es la prueba de que no existe la razón o el material para realizar otra aventura de color y musicalidad en la ciudad brasilera.

Queriéndome ahorrar cualquier comentario relacionado con el clásico “Es para niños”, recuerdo haber disfrutado “Rio” durante su paso por los cines. Aprovechando su ritmo y un variado set de personajes, la aventura de Blu contaba con humor y colores característicos, haciéndola lo suficiente única dentro del reino animado. Rio de Janeiro era el alma y la razón de ser de la cinta, y todo eso vuela lo más lejos posible en el Amazonas, donde cualquier tipo de alma o sentimiento ha sido borrado. No necesito humor o referencias adultas, necesito argumento, desarrollo y un par de personajes con propósitos. Necesito algo, y esta secuela no ofrece absolutamente nada.

Es indudable que el mayor encanto introducido por “Rio” fueron sus colores y momentos musicales. Esa paleta de tonos ha desaparecido. El arcoíris que vivía en la ciudad de Rio es suplantado por el monótono verde de lo salvaje y en lo que concierne al ritmo, lo único importante para ciertos personajes, el mismo es decepcionante. A no ser por una corta secuencia inicial en la que la música es genuina, las canciones se vuelven poco memorables al punto en que el villano principal debe recurrir a una parodia de “I Will Survive”, de Gloria Gaynor, para sumar un momento musical.

Es una necesidad mencionar a la legión de villanos que “Rio 2” trae consigo. Contemos: el regreso del némesis de Blu, Nigel (O Pepillo como lo llama nuestro doblaje), su pandilla formada por una rana venenosa y un oso hormiguero, y por último, lo mejor, una grupo de taladores sin motivos que casi disfrutan detrayendo los bosques del Amazonas. Estos últimos disparan otra extensa serie de argumentos intrascendentes, en los que el mensaje ambientalista es tratado entre hilos, como una obligación más que un deseo.

Con la cantidad de tramas que baraja la película hay una o dos que podrían extenderse y cargar con los duros 90 minutos, pero nadie se decide por una sola ruta, convirtiendo su versión de “La Familia de mi Novia”, que podría haber funcionado, en un par de escenas asiladas una de otra. De cualquier manera, lo mejor del asunto llega con un argumento acerca de la lucha de territorios en el bosque. El mismo, entre otros anexos, introduce el más patético de los segmentos, en el que nos topamos con un partido de futbol entre aves. Si no sonora tonto de por sí, no hay segundo en el que dude de la relación entre la existencia de esta escena y el simple hecho de que el film llega en épocas donde el mundial de futbol tomara lugar en Brasil. Como dije, calculado. Hacer que cada quien tenga algo con lo que convencerse, y lograr que el producto se vuelve desordenado e insoportable.

Preferiría no sumergirme en los momentos humorísticos cuestionables o la escasez de los mismos en general. Pero bueno, el diseño del oso hormiguero es simpático, y ver que es el único personaje mudo es demasiado reconfortante para el bien de la cinta. Es un personaje completo al menos, y entre ver al mismo manteniendo la boca cerrada o a la cacatúa malévola, quien se autoproclama un amante de Shakespeare, rapeando, prefiero algo que no traicione el simple cimiento del personaje.

Estoy convencido de que el director, Carlos Sandanha, no encuentra entusiasmo o interés en crear secuelas a sus, más que competentes, trabajos originales. No pretendo referirme al decline de “La Era de Hielo”, ya que este caso es más decepcionante y perezoso. La animación es hermosa, pero eso ya es un hecho en el cine moderno, por ello, el color, los ritmos, y la falta de trama son imperdonables. Ya no se trata de cine animado o infantil, esto le concierne a cualquier intento de secuela, y este no es solo un caso apurado, es uno vergonzoso.

Durante un año que nos ha ofrecido “Lego: La Película”, “Rio 2” es inaceptable.

12 de abril de 2014

El segundo avance de “Buenos Vecinos” trae nuevas risas con el enfrentamiento Rogen/Efron.

A un mes de su estreno en Norteamérica (9 de Mayo), “Neighbors” ya ha sido motivo de conversación, habiendo sido enseñada a unos cuantos críticos, revelando una buena confianza por parte de Universal Pictures. Los reportes de la prensa han sido absolutamente positivos, llamándola frenética y cómica, donde los tres protagonistas cumplen con su papeles, y para demostrarlo, el estudio ha lanzado un nuevo trailer.

Dirigida por Nicholas Stoller, “Buenos Vecinos” (Como se titulara acá) pone a una cuadra patas arriba cuando una fraternidad se muda a la calle. Quizá no presente tantos problemas para los demás, pero para la pareja (Seth Rogen y Rose Byrne) al lado de la casa en cuestión, las cosas no son tan soportables a medida que el descontrol comienza y las rivalidades crecen. Impulsado por buen humor y promesas de cómicos momentos que mejoraran en repetición, este nuevo avance es una promesa genial para la escena cómica de este año.

La mano de Stoller ya me convence, habiendo dirigido una de las mejores comedias de la década pasada, “Get Him to the Greek”. Lamentablemente aquella nunca llego a nuestros cines, si mal no recuerdo, y “Buenos Vecinos”, si bien tiene un estreno confirmado, parece que no podrá verse en nuestras pantallas hasta el próximo Agosto.

Taquilla Uruguaya (04-06 de Abril) – “Noé” inunda la taquilla desafiando a la biblia y a Marvel.

Deicidio a volver a reportar la taquilla y aun buscando formas de hacerla más interesante y atractiva, debo admitir que no podría estar más entusiasmado de comenzar con este primer fin de semana de Abril. Enfrentándome al primer Top 10 que veo en el año, estoy contento con el espectador uruguayo, apoyando un par de buenas superproducciones, cine nacional y cine de autor. Creo haber elegido el mejor momento para volver.

Miremos estos cuatro primeros puestos obviamente liderados por el cine taquillero de turno, el cual, casualmente, no es de ninguna manera mediocre. Sin poder recobrar el distinguido primer lugar que disfruta Marvel con cada estreno, “Capitán América y el Soldado de Invierno” se asentó en un fuerte segundo puesto dejándole espacio a la curiosa novedad que es “Noé”. Trayendo de vuelta el cine bíblico, la cinta de Darren Aronofsky tuvo el mejor comienzo en lo que va del año. Una hazaña bastante épica sabiendo que se trata de un cine completamente desafiante en cuanto a lo que intenta; con unas cuantas reacciones negativas por encima (No he leído una sola opinión positiva, además de la mía, en nuestro país) y la posibilidad de perder el interés de su público en un solo fin de semana.

Evaluado el cine de Hollywood, nuestro país, con sus tradiciones e historias, le dieron la fuerza a “Maracaná”, un documental con juego en las salas a medida que repite puesto y es apoyado por un seguro boca a boca. Personalmente, no veo el encanto, teniendo ciertos problemas con la cinta, pero si se trata de apoyar propuestas nacionales, es un acierto.

Como ultima destacada, el siguiente escalón le pertenece a Wes Anderson y su genial “El Gran Hotel Budapest”. Superando de forma abrumadora el comienzo de su último film en nuestro país, saltando de los 18.000 de “Moonrise Kingdom” al medio millón de pesos, no podría estar más agradecido con el espectador Uruguayo, regalándonos la posibilidad de ver más películas de Anderson por acá. Casi que podría agradecérselo a la audiencia mundial, a medida que “Budapest” ya es la cinta más taquillera del director.

Acercándome a lo que está ocurriendo durante estos tres días, “¿Qué resultado tendrá Noé este fin de semana?” es la pregunta más interesante para hacerse. Imposible de predecir francamente, pero es la mejor incógnita para continuar con este espacio mientras el cine animado se refuerza y otro superhéroe se suma a la cartelera en pocos días.

Pueden ver el Top 10 de la taquilla a continuación.

9 de abril de 2014

ESTRENOS DE HOY (10/04/14)

RIO 2 (2014)
Dirección: Carlos Saldanha
Calificación: Apta para Todo Público.
Duración: 1hr 41m
Género: Animación

Cines: Movie Montevideo (3D) – Movie Portones (3D) – Movie Punta Carretas (3D) – Movie Nuevocentro (3D) – Grupocine Ejido (3D) – Grupocine Punta Carretas (3D) – Grupocine Torre de los Profesionales (3D) – Grupocine Rivera (3D) – Life Punta Carretas (3D) – Life Cosa Urbana (3D) – Life Punta Shopping (3D) – Cine Opera

EL SOBREVIVIENTE (2013) – Película de la Semana
Dirección: Peter Berg
Calificación: Apta a Mayores de 15 Años.
Duración: 2hr 01m
Género: Drama/Acción
Elenco: Mark Wahlberg, Ben Foster, Taylor Kitsch, Eric Hirsch y Eric Bana.

Cines: Movie Montevideo Shopping – Life Costa Urbana – Life Punta Shopping
OLDBOY: DÍAS DE VENGANZA (2013)
Dirección: Spike Lee
Calificación: Apta a Mayores de 18 Años.
Duración: 1hr 44m
Género: Thriller
Elenco: Josh Brolin, Elizabeth Olsen, Sharlto Copley y Samuel L. Jackson.

Cines: Movie Montevideo Shopping – Movie Punta Carretas – Life Punta Shopping
LA VIDA DE ADÉLE (2013)
Dirección: Abdellatif Kechiche
Calificación: Sin Calificar.
Duración: 2h 59m
Género: Drama/Romance
Elenco: Léa Seydoux, Adéle Exarchopoulos, Salim Kechiche y Aurélien Recoing.

Cines: Life Alfabeta
VIOLETTA: EN CONCIERTO (2014)
Calificación: Apta para Todo Público.
Duración: 1hr 28m
Género: Concierto/Documental
Elenco: Martina Stoessel, Jorge Blanco, Mercedes Lambre y Diego Domínguez.

Cines: Movie Montevideo Shopping – Movie Portones – Movie Punta Carretas – Movie Nuevocentro – Grupocine Ejido – Grupocine Punta Carretas – Grupocine Rivera – Life Costa Urbana – Life Costa Urbana

CRÍTICA | LAS BRUJAS (2013)

Hugo Silva, Carolina Bang y Mario Casas en Las Brujas de Zugarramurdi
Por tan valiente o excéntrico que pueda resultar Alex de la Iglesia, es indudable que algunos de sus trabajos han sufrido de inconsistencias en cuanto a intenciones. Tanta es su astucia para crear este tipo de cine, que ese mismo balance entre aciertos y errores se vuelve disfrutable, caso que sufre su más reciente esfuerzo entre lo macabro y lo cómico, “Las Brujas de Zugarramurdi”, obviamente retitulada como “Las Brujas” para nuestro país.

Su debut, “Acción Mutante” y su indiscutible clásico, “El Día de la Bestia” le permitieron ser el autor de películas particularmente cuestionables, sean buenas o malas. Por ello jugando con un set de sensibilidades acostumbradas, De la Iglesia es capaz de regalarnos dos lados de una misma moneda. El primero, la tétrica comedia negra de 2010, “Balada Triste de Trompeta”, el segundo, la comedia de terror que presenta ahora. ¿Por qué opuestos? Porque perfectamente podrían intercambiar tonos. Demostrando que el director español juega mejor con su comedia sutil o poco ortodoxa, dado que “Las Brujas” se ve y se siente como un completo descontrol. Pueden sacar sus propias conclusiones de eso último…

Comenzando de la forma más brusca posible, la cinta nos golpea con brujería y una secuencia de créditos efectiva, vendiendo magia, humor y profecías en un solo paquete. No plantea respiro al soltarnos en la Puerta del Sol, en Madrid. Ya que es en la famosa plaza donde presenciamos un asalto tan tonto que resulta ingenioso, a una joyería en la que nos topamos con nuestros antihéroes, José (Hugo Silva), el pequeño Sergio (Gabriel Delgado), Tony (Mario Casas) y Manuel (Jaime Ordóñez). Entre sus torpes dramas, antes de poder huir del país con el botín, los cuatro deben cruzar Zugarramurdi, un pueblo fronterizo con Francia. Reconocido por su pasado con la brujería, la curiosa aldea no es tomada a la ligera por el excéntrico grupo de prófugos. Pero aun así, su camino y el de aquellos siguiéndolos, los llevan a las garras del malévolo clan del título, posponiendo notablemente sus planes para empezar de nuevo.

Fácilmente catalogada como comedia de terror, la cinta exagera más aun en sus territorios macabros. Aproximándose a los 120 minutos, ésta no se percata de los frenos, golpeando con comedia que vine y que va, y que funciona y que perece. A la vista está que no choca con distintos sentidos del humor, sino que con un género definido, no existe la duda ante un “¿Debería reírme?”. Donde “Balada Triste de Trompeta” propone dicha cuestión entre momentos de extrañas y oscuras situaciones, “Las Brujas” nunca esconde su sonrisa burlona entre rituales macabros, dosis de violencia, o simples rarezas. Por momentos, simplemente no es tan graciosa como cree, o al menos intenta.

Más fuerte que los diálogos de Alex de la Iglesia y su habitual colaborador, Jorge Guerricaechevarria, el excelente elenco eleva considerablemente el material. Acudiendo al llamado del director, la película reúne cameos esperables y pone al frente a protagonistas muy capaces de hacerse con la historia. Silva, Casas y Ordóñez encuentran el carisma en personajes de cuestionable moral, y verlos medianamente asustados resulta algo hilarante, a medida que nos topamos con sus supuestamente agobiantes historias de vida.

Como villanas, cualquiera de las brujas es memorable, más aun cuando dos de ellas resultan ser Santiago Segura y Carlos Areces. Aunque, es imposible olvidar a la ya proclamada musa de Alex de la Iglesia, Carolina Bang, siendo una de las más disfrutables en el reparto. Interpretando a Eva, quien se debate entre tener una vida normal o seguir las costumbres de su maléfica comunidad, su actitud funciona exageradamente bien, a medida que pone a los protagonistas en contra a base de seducciones, o solo se la ve divirtiéndose mientras realiza tétricos actos.

Cualquier duda sobre su humor, es suprimida con la naturaleza de su desorbitado climax, donde los agregados digitales llegan en condiciones admirables pero fuera de lugar. Despistando con su inicio y manteniendo las formas el resto del tiempo, el film gana una escala innecesaria en su último acto, en el que el balance es aplastado mientras las carcajadas aún están permitidas. Perdiéndose en sus ambiciones, incluso yo podría plantearme otra visita a Zugarramurdi, pero conociendo a De la Iglesia, sabiendo que deberá elevarse a sí mismo luego de multitudes y un descontrol digital, ese segundo paseo no suena demasiado tentador.

Conseguimos toparnos con diálogos en contra de las mujeres, orquestados por los mismos protagonistas, por supuesto. Ya sea por medio de chistes, o de que ninguno se sorprenda ante los horrores cometidos por una comunidad completamente feminista, De la Iglesia consigue introducir algo de tosca sátira en estos personajes; y en la situación en la que los pone. Un plus ideal, sabiendo que la exageración de su concepto es expuesta y nunca deja la pantalla, reconociendo el descontrol y la inconstancia. Conceptos posiblemente cotidianos para el director, pero aun así entretenidos.

7 de abril de 2014

CRÍTICA | EL GRAN HOTEL BUDAPEST (2014)

Ralph Fiennes en El Gran Hotel Budapest



Es muy sencillo tentar a un seguidor de Wes Anderson con “El Gran Hotel Budapest”, uno de los mejores, sino el mejor, trabajo en su repertorio. En dicha situación, la película está cubierta de un cómodo e incomparable encanto, siempre innovador, siempre original, siempre suyo. Esto podría ponerle fin a mis argumentos, pero estoy algo convencido de que existen espectadores sin visitas al organizado mundo de este cineasta. Agradezco que así sea. Entregándome la oportunidad de recrear mí cariño por ésta y todas las otras piezas en el más colorido de los rompecabezas: la imaginación de Wes Anderson.

Relatada en cuatro épocas y cinco capítulos, este excéntrico cuento es una narración dentro de otra. La atención le pertenece a los tiempos más relucientes del Gran Hotel Budapest, un asentamiento en la cima de una montaña, localizada en la imaginaria Republica de Zubrowka. En dichos momentos, el conserje del hotel, Monsieur Gustave H (Ralph Fiennes), le obsequia toda esa energía a tan tupida residencia, haciendo que cada huésped reciba la estadía que merece. Como empleado principal, él toma sus obligaciones al pie de la letra, dándoles el trato más especial a ciertas invitadas del hotel. Sin segundas intenciones, el conserje desarrolla una serie de romances con las inquilinas de mayor edad (Aparentemente solo con las rubias). Una de sus amantes resulta ser Madame D (Tilda Swinton), una mujer poderosa que muere en curiosas circunstancias. Incluso con una gran familia, su testamento le deja su posesión más valiosa, el invaluable cuadro “Muchacho con Manzana”, a Gustave. La familia de Madame D, particularmente su hijo (Adrien Brody) no toman muy bien dicha noticia; y antes de perderlo, Gustave y su discípulo, Zero (Tony Revolori), roban el cuadro.

Desde este punto, el film se convierte en una astuta persecución por el país europeo, a merced de misterios y memorables personajes. Esto significa correr de un escenario a otro, desde un teleférico a un ferrocarril y del fabuloso hotel a una prisión. Si no sonara bastante icónico de por sí el principal atractivo de “Hotel Budapest” debe ser la notoria mano de un director con marcas registradas. Me refiero a cuadros organizados a la perfección y estructuras que parecen, y son en diversos casos, hermosas maquetas. El que conozca los estilizados mundos de Anderson lo entenderá, pero, incluso con todos sus caprichos cotidianos a la hora de preparar una escena, este trabajo permite devorar nuevas curiosidades.

Suyo y de nadie más. Es asombroso como el cineasta ha sido víctima de unas cuantas referencias o burlas sanas, si bien su estilo nunca ha sido parte de visiones ajenas. Ahora contamos con nuevos elementos para caracterizar pequeños homenajes, haciendo su obra lo más animada posible. Supongo que mi autentico amor por “Fantastic Mr. Fox”, la única cinta animada de Anderson, es un indicador de lo presentado aquí, comparado con lo anterior. Cambiando el stop-motion y los muñecos por personas reales, el director consigue imitar el movimiento de su cine animado, y si bien podría parecer una exageración de sí mismo, no existe razón para reprochar la perfección de sus métodos.

Para entender la precisión, el director y guionista encuentra una razón para presentar tres tamaños distintos a sus planos. Definiéndolos por época, los 30, donde pasamos más tiempo, lucen una escala que, sin ánimo de especificar, es más cuadrada que rectangular. Un aspecto ideal para ordenar todos sus elementos. Sabiendo que veremos tomas sobrecargadas de pequeñas joyas, la decisión de apretar los lados de su mundo permiten hacer más simétricas sus intenciones, jugando con escalas y las piezas centrales de todas sus composiciones.

Ralph Fiennes y Tony Revolori en El Gran Hotel Budapest

Cubierta visualmente, su despliegue técnico no puede eclipsar el primer mandamiento en el cine de Wes Anderson, introduciendo otro guion ingenioso, caricaturesco y cómico, en iguales dosis por supuesto. Volviendo a las raíces más adultas de su cine, no en apariencias, sino sensibilidades, “El Gran Hotel Budapest” encierra escenas y personajes algo sombríos, que logran ganarnos a base de estilo y sets coloridos. La escasa importancia que tienen algunas muertes en todos sus personajes resulta en risas demasiado efectivas, sin caer en un humor negro menos accesible. Porque todo parece de juguete y colores, incluso una escena algo violenta usa el sonido de porcelana quebrada para acompañar el dolor; pero una decapitación y otras escenas explicitas la separan de las sensibilidades en “Moonrise Kingdom”, su obra anterior. Decisión que da en el blanco, al devolvernos esas cálidas formas con las que se enfrenta a asesinatos y otras maldades.

Con un reparto brillante, es lógico que todos los peculiares personajes queden en nuestra memoria. Con afiches que lucen a cada uno de ellos, es fácil señalarlos con sus personalidades, propósitos y chistes, incluso con aquellos que solo sirven de diminutos cameos. A pesar de estos últimos, aún hay un puñado de personalidades con múltiples apariciones. Claramente no se les otorga el mismo tiempo que a Fiennes y al excelente debut que da Revolori, pero la crueldad de Adrien Brody y Willem Dafoe debe ser mencionada. Todos los personajes que introduce Anderson ganan fama de cómicos de alguna forma, y este par logra gran comedia entre seños fruncidos y escasas palabras, en lo que concierne al personaje de Defoe. Totalmente opuestos de Fiennes, quien se muestra parlanchín en todo momento, saltando de inofensivas y elegantes palabras a una grosera y seca actitud. Una disposición novedosa para el actor, quien consigue abrazarla admirablemente.

Como reflexión adicional, por más que no tenga como respaldarlo, existe un claro salto en cuanto a presupuestos entre éste y el último trabajo de Anderson. ¿Por qué señalarlo? Por lo que podemos ver en pantalla. Sean los fantásticos escenarios o el diseño, este es el film más decorado y acaparado que ha introducido, y poder tener algo para admirar detrás de cada personaje acaba siendo otro atractivo. Quizá una segunda mirada no sea una necesidad, pero querer tomarla solo para admirar guiños pasajeros es un excelente cumplido.

Refrescando su estilo, Wes Anderson no olvida sus delicias cotidianas, aunque tampoco tropieza con la monotonía. En una cinta visualmente original, sus personajes y sentido del humor continúan sosteniendo esos fascinantes decorados, los cuales albergan un misterio donde restaría toparnos con Hércules Poirot. En su lugar, las incógnitas e investigaciones, se transforman en huidas y persecuciones para el memorable Monsieur Gustave H. y su fiel asistente Zero; a medida que protagonizan la historia más grandiosa del peculiar, pero bien nombrado, Gran Hotel Budapest.

4 de abril de 2014

Los veteranos de acción preparan un último asalto con el avance “Los Indestructibles 3”

“The Expendables” siempre fue una promesa de acción con los héroes de siempre, y podemos admitir que el resultado nunca fue nada medianamente comparable con las películas que hicieron a este elenco reconocible. Supongo que valió la pena verlos divertirse un poco y reírse de sí mismos una explosión a la vez, pero ya es hora de ponerle un fin a este simpático experimento.

Dicho eso, pienso que aquella secuela entrego lo que la primera prometía, y de tal forma, quizá haya algo que esperar en este tercer asalto, el cual, aparentemente, será el último. Con el descarte de algunos personajes y la incorporación de más caras conocidas, este avance hace lo esperable entre tiroteos y nombres reconocibles del cine de la época dorada de la acción. Un movimiento esperable sabiendo que el gancho le pertenece a esas caras y no a los argumentos.

3 de abril de 2014

CRÍTICA | NOÉ (2014)

Russell Crowe en Noé
En sí misma la tarea de alterar, aunque sea gradualmente, los pasajes de la Biblia conlleva cierta responsabilidad, preparándose para sentir la ira y protesta por parte de aquellos que solo aceptaran una adaptación de la misma, al pie de la letra. En tal caso, un director como Darren Aronofsky, tan valiente y convencido de sus ideas, sería la persona ideal para el desafío. La pregunta sería: ¿Alguien se atrevería a poner a prueba dicha apuesta y exponerse a una posible controversia? Bueno, el film ya ha inundado los cines, y responde con méritos a dicha pregunta.

Con un masivo presupuesto, el más alto con el que Aronofsky ha contado, “Noé” disfraza como épica superproducción una ambiciosa reflexión sobre el origen y futuro de la raza humana. Balanceándolo todo desde el punto bíblico y científico al mismo tiempo, este film, dirigido por un reconocido ateo, es todo menos cobarde, jugando cientos de cartas en un terreno de por si complejo. Lanzando elementos fantásticos, épicos y oscuros, la reconocida Arca esconde algo inmortal: Un definitivo discurso sobre la fragilidad humana.

Aun incluyendo los básicos de “El Arca de Noé” en el libro de Génesis, este relato de los hechos pone mucho de su parte para hacerse con la historia del diluvio. Reconociendo el riesgo del material, Paramount ha hecho todo lo posible para esconder todos sus argumentos más delicados, y me es muy difícil hacer lo mismo, obligado revelar la aparición de gigantes de roca, ángeles caídos y un sabor épico-fantástico típico de “El Señor de los Anillos”. Comenzando con un prólogo en el que nos topamos con los primeros seres humanos, la cinta desciende hasta la llegada de Noé (Russell Crowe), el único hombre libre de pecado en la Tierra. Como tal, El Creador interviene en sus sueños y le encomienda una misión ante un inminente apocalipsis que carga la muerte por agua. Siendo tan destructivo, el pecado del hombre invita la aniquilación de la raza humana, y Noé se vuelve el responsable de comenzar un nuevo mundo. Reuniendo a los animales, los inocentes genuinos de nuestro planeta, Noé comienza la ardua construcción junto a su familia, del arca que llevara a estas almas puras a la salvación.

Decidido a centrarme en ambición, aun me siento obligado a mencionar lo satisfactorio que resulta su valor épico, esperable durante 180 minutos en las manos de alguien más. Sean eventos fantásticos o combates en medio de un monstruoso diluvio, la esperable superproducción está contenida en un panorama mucho más que aceptable. Donde incluso acierta con su apurado 3D, resultando decente y lejos de ser un estorbo. Esos valores técnicos, apuntados al espectador en busca del film convencional, abundan en su primer par de tercios. De tal manera, Aronofsky demuestra que tiene una mano cuidadosa incluso tratándose de una escena catástrofe, regalándole a la misma una considerable sensación de peligro.

Sobre el peligro o las apuestas altas, creo que la embarcación del arca frente al diluvio universal no es ninguna sorpresa en medio de la historia. Sin embargo, siento la obligación de mencionarlo al tener mucho más que masticar dentro de la gigantesca embarcación. Si bien juega con miles de curiosas ideas en sus iniciales 90 minutos, los otros 45 ponen la sorpresa sobre la mesa, al explotar dichos pensamientos. Se trata estrictamente de dramas humanos, tan bien concebidos que el melodrama no consigue entrar en escena. Los mismos se vuelven considerablemente poderosos, y el ser devoto de Dios se hace un acto cada vez más sombrío, a un punto donde el solo concepto de Noé y el arca, resulta insostenible.

Jennifer Connelly y Russell Crowe en Noé
Si bien seria controversial por su cuenta, Aronofsky eleva el material a una zona problemática en cuanto al rigor bíblico. Introducir realidad a la establecida fantasia. Eso propone el director y guionista mientras desfila los horrores que el hombre es capaz de cometer, sea por supervivencia, ordenes o poder. Siendo una historia alterada, seria sencillo quitarle la relación con Génesis, pero no es casualidad que veamos tantos elementos bíblicos como ateos, presentando la historia de Adán y Eva en un marco que reconoce la presencia de la evolución. Esto acaba desafíando a todos sus espectadores, sin importar que religión o pensamiento arrastremos. Una vez que llenamos las butacas, todos tenemos el modo de conectar.

Haciendo lo suyo para enfrentarse a lo que representa la biblia, el concepto de salvación se hace demasiado delicado a medida que avanzamos por este poderoso viaje. En sí misma, la salvación sería imposible. El hombre es una criatura demasiado inestable como para coexistir con la armonía del mundo. El caos es, y probablemente siempre sea, un hecho en nuestra existencia, y “El Creador”, como se lo denomina en vez de Dios, quizá haya ido muy lejos al crear lo que supone ser su obra maestra. Esto desata todavía más incógnitas sobre nuestro origen, no preguntando que o quien ha sido responsable del mismo, sino cuestionando las buenas intenciones y el poder por parte del responsable.

Diseñada a base de efectos visuales, la película pone mucho empeño para representar sus hechos, se trate de la evolución, el diluvio o los gigantes de piedra. No todo está completamente detallado, pero hay un encanto visual original que acompaña al film. Sufriendo diversos transcursos tiempo, Aronofsky y su cotidiano director de fotografía, Matthew Libatique, utilizan recursos imprevistos para comunicar estos eventos, empezando por eliminar cualquier subtitulo que describan el tiempo pasado. Sea stop-motion o algunos encuadres con el planeta Tierra al completo, al menos se responde a la necesidad de emular los sentimientos de una superproducción.

Tener pasajes y elementos de la biblia no quiere decir que los mismos estén interpretados de forma tradicional, resultando en un film de escasos valores positivos, y más devastador o provocador en pensamientos. La paloma de la paz, el arcoíris, ambos siguen intactos, pero francamente parece más una tapadera de lo que pretende Aronofsky. El mayor inconveniente se ve en las comunicaciones del Creador con Noé, dejándole el propósito de su tarea a interpretación. No se trata de palabras, sino de sueños, y con dicho medio de comunicación, los mensajes son ambiguos. Como resultado, el peso de la tarea divina se hace más fuerte, sabiendo que las decisiones de Noé serán las más importantes de la raza humana. Ese es el precio de crear un nuevo mundo, sufrir mientras los demás perecen, meditar cuidadosamente las palabras de ese ser superior.

Esa entidad divina se hace dueña de toda creación, y ese proceso es sumamente emocionante a medida que queda impregnado en pantalla. Pero uniendo pasado y presente, esa sola secuencia acaba de establecer una de las intenciones en este trabajo, apuntado en una dirección completamente distinta. Está escrito en la ferocidad de Crowe, Dios entrega la posibilidad de vivir en paz, pero nosotros somos incapaces de garantizar tal estado. Somos creaciones imperfectas, y al tanto de su omnipotencia, El Creador no parece satisfecho. ¿Qué dice eso de él? ¿Qué dice eso de nosotros?

He visto como han catalogado a “Noah” de metáfora ambientalista y de absoluto despropósito, pero es un cine demasiado discutible. Como tal, yo asumo que todo vuelve a la fragilidad humana, un concepto que existe dentro y fuera de la religión. Ésta nos convierte en héroes y villanos, nos lleva a cometer actos bondadosos o deleznables, y como centro en el relato, se traduce perfectamente a nuestro tiempo. Sin importar que tanto lo intentemos, hemos sido y seremos destructivos. Con o sin arcoíris en el cielo, la raza humana ya ha elegido su camino.